fer de beaux rêves
Artisanal iron bed from Montreal, Canada.
Photo by Samuel Pasquier via Bruises Gallery
Étiquette : sculpture
deux doigts coupe faim
Cette amulette représente deux doigts humains stylisés qui sont à peu près grandeur nature. Les amulettes à deux doigts étaient utilisées exclusivement pour les morts et étaient souvent placées sur l’incision d’embaumement, qui a été faite pendant le processus de momification. Ces amulettes étaient destinées magiquement à guérir la blessure. Les premiers exemples de ce type d’amulette datent de la dynastie 26. Leur matériau préféré était l’obsidienne ou d’autres pierres sombres. Parfois, les amulettes étaient dorées, et de faibles traces de dorure sont présentes sur cet exemple.
Verre et noir-bleu. Basse Epoque, ca. 664-332 avant JC. Maintenant au Metropolitan Museum of Art. 66.99.182 egypt-museum.com
tag : raider
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bien sûr – des voix s’élevaient
bien sûr – des voix s’élevaient
Tom Lawton, sculpture cinétique , loop, approche de l’infini et jour sans fin
la pâte à modeler c’est pour les enfants
L’invention de la pâte à modeler s’inspire de la terre glaise utilisée par les sculpteurs, qui a l’avantage de durcir en séchant. Pour des esquisses, pour l’utilisation par les enfants, ou plus récemment, pour du travail en animation, il convient d’avoir un matériau qui ne durcit pas définitivement, elle a donc naturellement évolué vers des matériaux plus consistants et malléables. Wikipedia
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le plaisir de lyre
le plaisir de lyre – Barbara Hepworth, Orpheus, 1956
La pièce de Hepworth de 1956, une sculpture en bronze sur un socle en bois, est l’une des quatre œuvres d’Orphée et un des premiers exemples de son passage de la sculpture principalement dans la pierre et le bois à son inclusion de métaux. Cordé et en forme de parabole, Orphée (Maquette 1) est pensé comme une allusion à la lyre du musicien mythique. source : theguardian.com
tag : horloge solaire
la mer à bout de bras – Volodymyr Tsisaryk : Holding the Ocean (bronze sculpture and aluminum, 2018)
Volodymyr Tsisaryk, né le 3 septembre 1978 à Lviv. Volodymyr est un sculpteur ukrainien bien connu, auteur de monuments dans l’espace public de Lviv, fondateur de son propre atelier de sculpture.
Il expérimente la sculpture classique, les images mythiques et les formes modernes, construisant son propre style de personnages mystiques et de créatures bizarres. source : tsisaryk.com
autres publications bretzel liquide taguées Volodymyr Tsisaryk
Il faut mettre le feu à la maison, dit le Lapin – Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles / a rare Khorrassan bronze lamp in the form of a rabbit, North East Iran, 12th century
« Le lapin est stylistiquement formé avec de longues oreilles, un nez prononcé et une courte queue recourbée, avec deux becs sortant des pattes antérieures et un sous la queue, le dos de la tête avec une bande de dessin géométrique ajouré et palmette, un trou en forme de goutte à l’arrière, la tête séparée et jointe par un joint à baïonnette, quelques zones de corrosion, la majorité de la surface avec une riche patine rouge.
Cette lampe à huile en forme de lapin est une combinaison très rare d’une forme zoomorphe très expressive à becs multiples. Une lampe à huile Khorassan en forme de lièvre avec plusieurs becs dans une collection privée a des oreilles triangulaires pointues très similaires et un nez prononcé. Notre lampe en forme de lapin a une tête tournée vers l’avant dans une pose plus frappante et alerte. Les jambes fines et légèrement incurvées et le corps élégamment arrondi de notre lapin témoignent du savoir-faire de cette tradition bien établie de la métallurgie. » source : Christie’s
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soutiens-moi
soutiens-moi / Florence Poullain : Salvador Dali, Femme à la tête de roses, 1981
Dali et la rose
« L’utilisation par Dalí de la fleur de rose dans son art a traversé de nombreux médiums différents. Dans la sculpture en bronze d’Alice au pays des merveilles (conçue en 1977), les mains et les cheveux de la femme se sont épanouis en roses symbolisant la beauté féminine et la jeunesse éternelle.
Dans la sculpture de Dalí, Woman of Time, (conçue en 1973), la figure féminine tient une rose parfaitement formée sur une tige, l’horloge qu’elle a drapée sur son bras fait allusion à la prise de conscience que la beauté peut être indépendante du temps. Dalí a souvent représenté la figure féminine avec une tête non pas de cheveux, mais comme un bouquet de roses, pour symboliser éventuellement leur sexualité latente, comme dans la sculpture « Hommage à la mode » . (conçu en 1971)
Dalí a peint une rose parfaite dans son tableau de 1958 « La rose méditative ». L’image est un paradoxe visuel, base fondamentale du surréalisme, la rose semble « flotter » dans le ciel, méditant au-dessus de deux minuscules personnages, rappelant Jean François Millets L’Angélus’ ,(1856), l’un des favoris de Dalí peintures. L’un des pétales est recouvert d’une goutte d’eau, créant un effet tridimensionnel lumineux.
Ici, Dalí utilise la technique du trompe-l’œil pour tromper le spectateur ; en fait, la rose semble avoir de la profondeur dans la peinture, contrastant avec le ciel bleu uni dans lequel elle se trouve, conduisant à un incroyable effet tridimensionnel.
Une autre sculpture en bronze de Dalí qui encapsule la figure féminine avec la tête de roses est, Femme a La Tete de Rose . (1981). Haute de deux mètres, cette sculpture surréaliste rend une fois de plus évidente l’obsession continue de Dalí pour le symbole des béquilles. La Femme à La Tête de Roses se tient sur deux béquilles, une plus longue (s’élevant de la base) soutenant son bras droit. Sur son bras gauche sont positionnés plusieurs doigts de deux mains désincarnées, qui la maintiennent fermement. La partie supérieure de la sculpture est une figure phytomorphe, la tête entière devenant un bouquet fleuri d’où s’élève une corne, donnant une dimension animale à la figure. Dalí représente toujours des personnages ancrés dans la fantaisie, qui, à leur tour, prennent des significations différentes lorsqu’ils sont assemblés avec des objets extérieurs et incongrus ». source : Daliuniverse
Florence Poullain
« Plusieurs sujets de prédilections se dégagent de son œuvre : la nature, les paysages, les êtres vivants du plus petit au plus grand, le graphisme … Les détails retiennent son attention : une couleur, une texture, une ambiance, une atmosphère … » à voir sur florence-poullain.fr
L’Homme à tête de chou
est un album-concept de Serge Gainsbourg de 1976, youtube
autres publications bretzel liquide taguées Florence Poullain
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la penseuse de Philip Wakeham
la penseuse de Philip Wakeham / le penseur de Rodin
Philip Wakeham est un sculpteur figuratif contemporain autodidacte travaillant exclusivement en bronze.
Le corps humain est la meilleure image de l’âme humaine. Ludwig Wittgenstein
« Je crois que c’est le travail de l’artiste de produire des symboles de compréhension non verbale
Mon travail est de l’art visuel, c’est important à comprendre, il doit être compris à travers vos yeux et laisser de la place pour se connecter avec le spectateur au-delà des mots. C’est amusant de parler de choses à converser, c’est l’une des joies d’être humain, mais tant de choses ne peuvent pas être exprimées avec des mots, les mots ne peuvent que décrire ce que vous savez déjà, ou essayer de communiquer quelque chose de nouveau par analogie avec ce que vous savez déjà , Blue ne peut jamais être communiqué avec des mots .
Le visuel a un chemin direct dans nos esprits et nos cœurs, j’aspire à créer un travail si beau, si saisissant, que si un seul instant s’arrête. » source : Philip Wakeham
la politique de l’autruche – Maurizio Cattelan, Ostrich, 1997
Pourquoi l’autruche enfouit sa tête dans le sable ?
L’autruche protège sa progéniture. Avant de pondre, la femelle creuse un trou dans le sable pouvant atteindre 30 cm de profondeur. Pendant la couvaison, la future mère vérifie régulièrement que sa progéniture se porte bien, retourne ses œufs et nettoie le nid. Voilà pourquoi une partie de sa tête disparaît dans le sol quand elle s’occupe de sa ponte. source : lemagdesanimaux.ouest-france
Maurizio Cattelan, artiste italien né à Padoue en 1960, cherche en permanence à tourner en dérision l’art, son idéalisme et sa stupidité et, en particulier, le monde de l’art contemporain. Il en critique la production artistique – une toile entaillée du Z de Zorro devenant, par exemple, une référence dérisoire au travail de Lucio Fontana – et le milieu des artistes. C’est là tout le paradoxe de Cattelan, car il aime se faire passer pour un artiste en marge du marché de l’Art, alors qu’il en est en fait un acteur majeur, par exemple en tant que commissaire de la biennale de Berlin. source : Wikipedia
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