c’est un jardin extraordinaire – Suzan Pitt – Charles Trenet
Suzan Pitt est une artiste de renommée internationale dont les peintures et les films d’animation surréalistes figurent dans de nombreuses collections privées et musées, dont le Museum of Modern Art de New York, le Walker Art Center de Minneapolis et le Ludwig Museum en Allemagne. Elle a eu des expositions majeures au Whitney Museum of American Art, au Stedlijk Museum d’Amsterdam et à la Biennale de Venise. Pitt a conçu des décors et des costumes pour deux grandes productions d’opéra en Allemagne, qui ont été les premiers opéras à inclure des images animées pour la scène. Suzan Pitt a peut-être été la première artiste à créer des manteaux d’art peints uniques en leur genre à partir de 1984.
Mes collages sont généralement fantaisistes et absurdes, parfois avec une signification plus profonde juste sous la surface. Je travaille spontanément et en grande partie à partir de mon subconscient. C’est comme si j’étais dans un rêve alors que je réagis à chaque nouvel ajout ou développement.
Je pense que mes œuvres donnent souvent le sens d’un synopsis d’un rêve entier et pas seulement d’une scène. Par exemple, les éléments et les joueurs peuvent se répéter sous différentes formes ou contextes, représentant les transitions d’un rêve au fur et à mesure de son évolution. Il s’agit souvent d’une composition circulaire et/ou triangulaire qui simule un élément se nourrissant d’un autre.
L’inspiration de l’art photographique de Maher vient d’une exploration du féminin dans le contexte de l’espace naturel. Travaillant principalement à travers des portraits mis en scène et des autoportraits, Maher est largement connue pour cacher ou obscurcir les visages de ses sujets, n’utilisant souvent que la posture, le geste, le symbole et la couleur pour transmettre l’émotion et l’histoire. Maher explore les mondes intérieurs de ses sujets tout en considérant les notions d’espace personnel, d’identité et de relation de l’individu au monde plus vaste. Son objectif avec chaque photo et série est de créer des pièces qui enflamment l’imagination en perturbant les frontières entre la vie réelle et l’au-delà ; le surréel et le banal. En racontant des histoires visuelles, elle invite le spectateur à devenir un co-créateur de sens, laissant les histoires ouvertes mais touchant aux émotions fondamentales et universelles. Maher croit que l’espace et l’imagination sont les clés de la transformation – à la fois personnelle et collective. Ses photos tentent de représenter visuellement des idées et des concepts qui engendrent la transformation.
Les Japonais ont un concept appelé « Ma » qui se traduit vaguement par « espace négatif ». Il parle de cette zone d’espace autour ou entre les sujets : une « zone libre » qui permet à des choses dissemblables de coexister. Ma dit que la façon dont nous passons notre temps et dont nous façonnons notre espace a un impact direct sur nos progrès. Si nous n’avons pas le temps ou si notre espace est limité, nous ne pouvons pas grandir.
Avec la peinture abstraite, j’essaie de transmettre le concept fondamental de Ma en supprimant tout élément en excès. Avec un sujet minimal, mon objectif est de capturer le flux de l’espace et du temps, créant une tension qui contient un sentiment sous-jacent de calme.
« Tout au long de ma carrière, j’ai toujours été un peintre de l’évasion narrative, mon travail évoquant des liens personnels pour chaque spectateur. Parce qu’il est exécuté de manière surréaliste, il permet au spectateur de créer sa propre histoire et sa propre signification. »
Rodney Smith était un photographe de premier plan dont le travail fantaisiste évoquait celui du peintre surréaliste René Magritte. Longtemps acclamé pour ses images emblématiques en noir et blanc qui combinent portrait et paysage, Smith a créé des mondes enchantés pleins de contradictions subtiles et de surprises. N’utilisant que du film et de la lumière, ses images oniriques non retouchées sont d’une qualité égale à l’artisanat et à la beauté physique de ses tirages. M. Smith était un homme profondément soucieux de partager sa vision du monde avec humour, grâce et optimisme. source : rodneysmith.com
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la possibilité d’une clef – Samuel Bak : Possibly (Key to the Childhood City), oil on canvas, 2002
Samuel Bak est un peintre américain d’origine lituanienne. Survivant de la Shoah, son œuvre représente, par des symboles, métaphores et allégories, un monde perdu et une quête de reconstruction. (Wikipedia)
tu ne viens pas voir le débat ? Mark Bryan : la métamorphose
les élections avaient mis en évidence un clivage profond du pays, jusqu’au sein même des familles et des couples où l’on pouvait regarder l’autre comme appartenant quasiment à une autre espèce.
« Pour moi, la peinture est un accès libre et immédiat au subconscient, comme rêver en étant éveillé. À l’exception de mon travail politique, je ne passe pas beaucoup de temps à planifier mes peintures. Une image semble en mener à une autre comme descendre un couloir et ouvrir des portes pour voir ce qui s’y trouve. J’essaie de permettre aux images de se rendre sur la toile d’elles-mêmes, en les modifiant souvent de manière significative au cours de mon travail. Ne pas savoir où ils finiront rend le processus amusant et intrigant. »
